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1934 – The Scarlet Empress

Daniel reist durch die Filmgeschichte. Welche Filme er schon sah, könnt ihr hier sehen. Welche noch kommen werden, erfahrt ihr hier.

Es wird Zeit, dass ich mich mal der Dietrich zuwende. The Scarlet Empress war der fünfte Film, den sie zusammen mit Josef von Sternberg drehte. Der Film ist das Ende einer erstaunlichen Kette von filmpolitischen Zusammenhängen. Alles fing mit mit Fritz Langs Metropolis an. Da dieser (zurecht) komplett gefloppt war, aber enorm viel gekostet hatte, musste die UFA Anteile an Paramount verkaufen. Das brachte Paramount den Vorteil von festen Vorführungsquoten in der Kinokette der UFA, aber auch die UFA profitierte neben der Geldspritze von der Partnerschaft. So konnte sie zum Beispiel den Star Emil Jannings (den ich hier auch schon einmal erwähnte) für die Verfilmung des Heinrich-Mann-Romans Der Untertan ausleihen. Jannings brachte von Sternberg als den Regisseur seiner Wahl mit und von Sternberg war hin und weg von dem jungen Talent, das die weibliche Hauptrolle in Der Blaue Engel spielte: Marlene Dietrich. Der Regisseur brachte die Dietrich nach Hollywood, was Paramount nur Recht war, denn sie suchten sowieso eine Antwort des Studios auf den Superstar Greta Garbo. Der Plan ging ganz wunderbar auf, wenngleich nicht jeder Film des Duos von Sternberg und Dietrich auch gut war. Besonders war die Dietrich genervt, dass von Sternberg sie immer wieder als die verführerische Femme fatale inszenierte, denn sie wollte auch andere Rollen spielen. Dieser Wunsch wurde ihr mit The Scarlet Empress schließlich erfüllt.

Josef von Sternberg: The Scarlet Empress. Copyright: Paramount.

Josef von Sternberg: The Scarlet Empress. Copyright: Paramount.

Dem Genre nach ist der Film ein klassisches Biopic, das uns vom Leben von Katharina der Großen von ihrer Kindheit bis zu ihrer Machtergreifung berichtet. Doch so konventionell das klingt und vom Drehbuch her auch ist, so außergewöhnlich ist dieser Film in anderen Aspekten. Allem voran fällt die groteske sureal-morbide Kulisse des Films auf. Überall im Zarenpalast stehen steinerne Skelette und andere unförmige Gruseligkeiten. Viele Türen sind viel zu groß, sodass die Protagonisten sich dagegen stemmen müssen, um sie zu öffnen. Weiter ist es der erste Film, den ich hier sehe, der Filmmusik zu bieten hat. Die Musik ist dabei schon stark expressiv, allerdings nur paraphrasierend: Sie unterstreicht nur die Bilder ohne eigene Akzente zu setzen. Allerdings gibt es einmal einen schönen Übergang von extradiegetischer zu diegetischer Musik: Musik, die die ganze Zeit im Hintergrund zu hören war, wird plötzlich durch Trompeter im Bild zum Teil der filmischen Erzählung.

Auch Kamera und Schnitt haben einiges zu bieten. Wie bei fast allen Filmen in den 30ern, die ich in dieser Reihe sah, sehen wir auch hier wieder eine Montage mit zusammenfassender Funktion. Diesmal wird eine Reihe von Foltermaßnahmen so zusammengefasst und dann hart kontrastiert mit einem Schnitt auf die zukünftige Katharina, welche im Garten schaukelt. Ein anderes Mal sehen wir einen schönen Kameraflug über die Tafel bei einem Festessen, der uns ganz ohne Worte die Geschichte der höfischen Dekadenz erzählt.

Bei so ausdrucksstarken Bildern ist es schade, dass der Film sich nicht darauf verlässt, sondern wie ein Stummfilm auf viele Texttafeln zurückgreift, um die Rahmengeschichte zu den verschiedenen Szenen zu erzählen. Dabei bricht The Scarlet Empress leider auch oft und völlig unnötig mit show, don’t tell.

Schließlich fand ich noch schade, dass sich darauf konzentriert wurde, die Jugend von Katharina II zu zeigen, zum einen war die Dietrich schon Mitte 30, als sie den Film drehte, sodass ihre Darstellung der naiven Teenagerin ungewollt bizarr wirkt. Zum anderen hätte mich persönlich mehr interessiert, wie Katharina schließlich zum Beinamen “die Große” kam, anstatt zu sehen, wie schwer es das junge Ding im fernen Russland hatte.

1932 – Scarface

Weiter geht es in meiner Reise durch die Filmgeschichte mit Scarface! Aber nicht jenem Film von Brian De Palma aus dem Jahr 1983, an den ihr wahrscheinlich denkt. Nein, De Palmas Werk ist nur ein sehr loses Remake. Denn als in den 30ern die erste große Gangsterfilmwelle durch Hollywood rollte, da wurde die Geschichte vom narbengesichtigen Tony schon einmal erzählt. Und zwar wurde sie von den beiden Howards erzählt: Howard Hawks führte Regie und Howard Hughes (den ihr aus Scorseses The Aviator kennt) produzierte den Streifen. Die beiden haben sich wohl auch ganz schön in die Haare gekriegt.

Denn der Film hatte von Anfang an mit Zensur zu kämpfen, obwohl der Hays Code erst zwei Jahre später offiziell verpflichtend wurde. Der Film war dem Hays Office einfach viel zu brutal und wurde als moralisch fragwürdig angesehen, sodass es  ihn massiv bekämpfte. Nachdem das Hays Office schon mehrere Änderungen am Drehbuch gefordert hatte, sprach Hughes zunächst noch ein Machtwort und sagte zu Hawkes: “Screw the Hays Office, make it as realistic, and grisly as possible.“

Nach Vollendung des Films sollte ihm dann aber ein amerikaweiter Release verwehrt bleiben. Daher knickte Hughes vor dem Hays Office ein. Das wiederum führte zu einer Überwerfung mit Hawkes, der seinen Film nicht ändern wollte. Entsprechend engagierte Hughes schließlich Richard Rosson und verpasste dem Film vor allem einen neuen Anfang und ein neues Ende. Neben dem Untertitel “The Shame of the Nation“ wurden am Anfang ein paar sehr moralinsaure Texttafeln eingefügt, die noch einmal betonten, dass der Film ja nur zeigt, was so abging in Zeiten der Prohibition (1919 – 1933), wie schlimm das alles sei, und dass die Zuschauer es in der Hand hätten, dies an den Wahlurnen zu quittieren. Das Ende wurde hingegen positiver für die Polizei gestaltet.

Doch wie ist der Film denn eigentlich inhaltlich, abgesehen von diesen veralteteten Kritikpunkten? Er beginnt zunächst einmal großartig mit einem Trackingshot, der 3:15 Minuten andauert und in einem ersten Mord von Tony, gefilmt als Schattenspiel, mündet. Auch sind die Szenenübergänge besonders am Anfang sehr schön, wenn zum Beispiel mit Matchcuts gearbeitet wird. In der Mitte gibt es eine Montage von Straftaten, die Tony und seine Leute begehen, die sicherlich exemplarisch war für viele noch kommende Gangsterfilme. So ist garantiert die Matratzen-Sequenz aus dem Paten daran angelehnt.

Auch Tony gefällt mir, Paul Muni spielt den hemdsärmeligen Emporkömmling mit einer überzeugenden Mischung aus Albernheit und brutaler Selbstsicherheit. Nicht zuletzt ist Love Interrest Poppy (Karen Morley) eine toughe Frau, die zu den ganz wenigen in diesem Film gehört, die keine Angst vor Tony hat.

Aber der Film hat auch seine Probleme. Technisch bedingt ist die Tonspur das größte Problem. Die fehlende Filmmusik kann ich ihm noch verzeihen, da hatten die Macher keine andere Wahl. Aber zumindest in der Kopie, die ich gesehen habe, war die Tonqualität so schlecht, dass die Dialoge oft nur sehr schwer zu verstehen waren, was mich des Öfteren aus der filmischen Immersion hinauskatapultiert hat.

Die vielen Schlägereien sind schlecht gealtert, denn es fehlt ihnen schlichtweg an Dynamik. Doch am meisten hat mich gestört, dass die Kombination aus ernstem Kriminaldrama und alberner Komödie nicht aufgeht. Zum Beispiel ist die Szene, in der Tonys Sekretär während einer Schießerei vergeblich versucht, den Namen eines Anrufers zu erfragen, viel zu überdreht. Besonders wenn Hawkes dann am Ende versucht, ebenjenen Sekretär eine dramatische Todesszene zu schenken; was einfach nicht funktioniert, da der Charakter viel zu wenig Tiefe hatte.

Schön ist allerdings noch, wie der Film mit dem „The world is yours“-Plakat endet. Im Podcast hatten wir kürzlich noch erwähnt, dass das ein Scarface-Zitat in La Haine ist, ohne zu wissen, dass der 83er-Film das schon selbst zitiert hat.