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Die 17 besten Filmpodcast-Folgen des Jahres 2017 #Podcastliebe

Das vergangene Jahr ist vergangen und das kommende Jahr wird kommen. Das bedeutet für mich, dass ich einmal mehr die besten Podcastfolgen des Jahres küren MUSS!!!

“Aber  Daniel, ist das nicht anmaßend von dir, zu sagen, dass das die besten Folgen des Jahres sind?!”,

fragten die Leute immer in den vergangenen Jahren (2016, 2015), wenn ich dies hier durchgezogen habe. Dann antworte ich: Ich habe derzeit 133 verschiedene Podcasts abonniert. Diese Liste ist also die reine objektive™ Wahrheit™™. Gut, eigentlich hat sich noch nie jemand beschwert … Denn letztlich geht es hier ja nur um eines: um #Podcastliebe

La La LAnd

In den vergangenen beiden Jahren war die Liste der besten Podcasts aus irgendeinem mir nicht ersichtlichen Grund immer sehr Filmpodcastlastig. Daher habe ich das dieses Jahr getrennt: Filmpodcasts und der ganze Rest. Beginnen möchte ich heute mit den lieben Menschen die über gute (oder weniger gute) Filme sprechen. Hier kommen sie:

Die 17 besten Filmpodcast-Folgen des Jahres 2017!

Baby Driver

17 . Das Film Quartett: 16 – Extended: Quo Vadis Filmkritik?

Ein bisschen tragisch ist, dass der erste Podcast in dieser Liste schon nicht mehr existiert. Nach nur 17 Folgen schmissen Chris, Lara, Celina und Klaus im September schon wieder Handtuch. Kurz zuvor schafften sie es aber noch auf diese Liste. Aus einer Twitterdiskussion entstand eine Folge über Sinn und Zweck der Filmkritik. Chris, Lara und die Gäste Matze von Matzes Kinowoche und Antje von Wessels Filmkritik zeigen dabei gleich eines, was ich an Podcasts sehr mag: Sie erweitern meinen Horizont. Ich persönlich stimme nämlich mit fast keiner der hier geäußerten Meinungen überein, sondern vertrete den Standpunkt: Macht euch mal locker, macht euer Ding und wenn ihr dran bleibt und liebt, was ihr tut, dann findet ihr schon euer Publikum. Egal was andere machen und auch egal ob das besser oder schlechter ist. Der Tenor in dieser Runde steht meiner Meinung aber diametral entgegen. Dennoch oder vielleicht gerade deswegen war die Diskussion spannend.

Night of the Living Dead

16. Devils & Demons: EPISODE 18 – NIGHT OF THE LIVING DEAD (1968) – GEORGE A. ROMERO TRIBUTE

Es war Juli und ich saß an der sonnigen portugiesischen Atlantikküste, als eine Nachricht in Filmtwitter einschlug: George A. Romero ist tot. Es folgte, was dieses Jahr auch beim Ableben von John Hurt, Bill Paxton oder Roger Moore zu beobachten war: Der vielstimmige Filmpodcast-Chor stimmte eine Elegie an. Auch wir kondolierten mit einer Folge zu Romeros Debüt. Aber am schönsten war der Nachruf von Pascal und Christian (der es damit zum zweiten mal auf diese Liste schafft). Denn aus ihrer Besprechung von ‘Night of the Living Dead‘ spricht unglaublich viel Leidenschaft. Und Leidenschaft ist ein weiterer Punkt, warum ich Podcasts liebe.

15. Second Unit #250 – Holiday Special Teil 1 (Second Unit v Enough Talk!)

Im grauen Monat Dezember war’s, da verfingen sich die Jahresrückblicke in meinem Podcatcher.  So auch das diesjährige Holiday Special (zumindest Teil 1) der Second Unit. Christian (diesmal ein anderer, nämlich der Pate himself) lud sich Arne, Jens und Jens’ Soundboard ein. Ich verstehe zwar nicht, warum die Herren ‘Silence‘ so gut fanden, aber sie lieferten den dritten Grund ab, warum ich Podcasts liebe: Wer in den unglaublichen 04:38:37 nicht mindestens 43.837-mal lacht, der oder die hat einfach kein Herz. 😉

They Live

14. Die Archivtöne: KKS004: They Live

Böse Zungen unken immer wieder, dass wir Filmpodcaster/innen es mit der Länge übertreiben. Und die 4,5 Stunden auf Platz 15 zeigen, dass der Vorwurf auch nicht gaaaaanz unbegründet ist. Aber gute Filme eignen sich eben auch hervorragend, um Ewigkeiten darüber zu schwadronieren. Doch auch das genaue Gegenteil ist eine verdammte Kunst: In aller Kürze einem Film gerecht zu werden. Und niemand machte das in diesem Jahr besser als Kamil, der im Horrorctober in seiner “Kammer des Schreckens” mehr spannenden Gedanken über Carpenters ‘They Live’ in 11:34 Minuten (!!!) anriss, als andere das in zwei Stunden schaffen.

Disclosure: Er empfiehlt auch unsere Folge zu ‘In the Mouth of Madness’ und natürlich hat das meine Wertung maximal beeinflusst!

13. ENOUGH TALK! #028.8 – SEI DOCH EINFACH RUHIG, TRELKOVSKY! (FEAT. KAMIL)

Dass Kamil auch Länger kann, beweist er zusammen mit Arne (der damit auch zum zweiten Mal auf dieser Liste erscheint) in ihrer Besprechung über ‘Der Mieter’. Das Kunststück dieser Folge ist, dass 1:14 Stunden für Arnes Podcast-Stil wiederum eine Horrorctober-Kurzfolge sind. Dieser Clash, der inhaltlich die Stunde mit Diskussionen über Polansky, Fremdsein, Identität und und und füllt, ist damit auf die 13 gestürmt.

Children of Men

12. Second Unit #236 – Children of Men (Gast: Tamino Muth)

Christian (der Pate) kommt noch ein weiteres Mal auf diese Liste. Und zwar in der Kombi, die wir Fans der Second Unit am meisten lieben: Mit Tamino, seinem traditionellen Co-Host. Die beiden machen etwas, das zum Schwierigsten überhaupt im Podcastbusiness gehört: Sie besprechen einen meiner Lieblingsfilme, ohne dass ich die ganze Zeit “FALSCH! FALSCH! FALSCH!” schreien musste, was immer zu so unangenehmen Blicken in der U-Bahn führt … Natürlich haben auch Christian und Tamina mich bestochen, indem sie unsere Folge zu diesem Meisterwerk empfehlen.

11. SoFiFe Berlin: FOLGE 20: „PIRATENSENDER POWERPLAY“

Genug er guten Filme! Kommen wir zu einem schlechten. Und damit landen wir mitten im Spezialgebiet der Sonderschule für Film und Fernsehen. Doch ich höre schon das Gegrummel auf den billigen Plätzen: “‘Piratensender Powerplay’ soll schlecht sein?” Und auch ich musste zunächst schlucken, habe ich dieses ‘Kunstwerk’ doch als eine allzu schöne Kindheitserinnerung abgespeichert. Dass das womöglich ein Fehler war, zeigt SoFiFe. Und nicht nur das: Alex und Felix liefern eine Folge ab, die mich so laut lachen ließ, dass ich auch dafür unangenehme Blicken in der U-Bahn erntete.

Gods of Egypt

10. Abspanngucker: EPISODE 24 – KRITIKEROPFER & KASSENGIFT: VON FANTASTIC FOUR BIS GODS OF EGYPT

Mit dem gleichen Ansatz (über schlechte Filme zu sprechen) und doch ganz anderer Herangehensweise schaffen die Abspanngucker den Sprung in meine Top 10 des Jahres. Es war zur Oscar-Saison, als alle Welt über die vermeintlich besten Filme des Jahres sprach, da nahmen sich René und Alexander vor, den Filmen eine zweite Chance zu geben, die Kritik und Zuschauer verachtet hatten.

9. Nerdtalk Extended: Wie schauen Blinde Kino?

Auf Platz 9 verlassen wir den ausgetretenen Pfad der klassischen Filmbesprechung und fragen uns zusammen mit Phil von Nerdtalk: Wie schauen Blinde Kino? Geantwortet hat ihm Marcel. Und damit haben die beiden einen weiteren Grund abgeliefert, warum ich Podcasts liebe: Ich war nach dem Hören schlauer als vorher.

Star Trek: Discovery

8. Discovery Panel: Halbstaffel-Rückblick

Verrückt aber wahr: Es gibt da draußen nicht bloß Menschen, die Filme schauen. Manche gucken sogar Serien. Und einer der Sterne im vergangenen Jahr am Serienhimmel war: Star Trek Discovery. Star Trek ist zurück. Endlich! Es wird immer viel gejammert über Streaming-Dienste und dass sie den Lagerfeuercharakter des linearen Fernsehens kaputtmachen. Früher, ja früher! Da traf man sich noch um Zwanzichfuffzehn, um die neue Folge zu gucken. Heute guckt jede und jeder für sich und wehe ihr spoilert!!!! Was diese Kritik nicht kennt, sind Podcasts, die Serien begleiten. Denn diese Podcasts bringen das Lagerfeuer zurück. Und ganz ausgezeichnet machen dies Sebastian und Andreas. So darf ich mich immer zweimal freuen: erst auf eine Folge Discovery dann auf eine Folge des Panels. Stellvertretend für diese tolle Arbeit empfehle ich den Halbstaffel-Rückblick.

7. Longtake: #97: THE SQUARE

Je länger ich Podcasts höre und je länger ich Podcasts mache, desto mehr merke ich, wie einfach es ist, mit Hass eine vermeintlich gute Sendung zu machen. Ein bisschen Rage, ein bisschen Fluchen und Verachtung, eine Prise “das hat mich echt richtig wütend gemacht”, ein Hauch “das war sooo schlecht”, Plottholes und Logiklöcher nicht vergessen – fertig ist der Rant und er wird mit Sicherheit seine Hörer/innen finden. Aber seit ich die Formel verstanden habe, finde ich sie auch zum Gähnen. Stattdessen lässt mich aufhören, wenn jemand bei der Sache, die er oder sie besprich,t mit Leidenschaft dabei ist. Und diese Leidenschaft sprühte aus jeder Minute des Podcasts, der sich “Der deutsche Podcast mit Diskussionen zu aktuellen Filmen aus dem Programm- und Arthouse-Kino” nennt, bei seiner Besprechung von ‘The Square’. Lucas und Joko feierten den Cannes-Gewinner nicht ab, sie hatten viel auszusetzen. Aber aus den Stimmen der beiden hört man die Liebe zu dem, was sie da machen. Groß!

TNG

6. Das E&U-Gespräch: Folge 038 – Sonderfolge – Star Trek (TNG & DS9)

Star Trek ist mehr als nur Discovery. Viele Menschen aus meiner Generation sind mit den Serien und Filmen aufgewachsen. Über Star Trek zu sprechen, bedeutet daher auch oft über das eigene Leben zu sprechen. Und genau diesen Ansatz haben auch Markus und sein Gast Nils. Herausgekommen sind zwei Stunden Nostalgie und Schwärmerei. Wunderbar.

5. Bahnhofskino: Podcast #198: Rocky (USA 1976) & Redbelt (USA 2008) und ff.

Ich habe nun Podcastfolgen erwähnt, die über Metathemen rund um Filme sprechen, solche, die Serien, einzelne Filme oder mehrere Filme einer Reihe besprechen. Aber auf Platz fünf landen viele Folgen, die sich einer einzigen Filmreihe widmen: Rocky. Von Januar bis März machten Patrick und Daniel 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7 Folgen, um die Reihe in gebührender Breite zu besprechen. Das führte das Bahnhofskino direkt auf Platz 5 der besten Folgen des Jahres. Episch.

Westworld

4. Aufwachen!: A!217 – Westworld

Have you ever questioned the nature of your reality?” – mit dieser Frage wilderte Stefan im fremden Revier. Sonst geht es hier um Politik und Medienkritik, diesmal um eine Serie: ‘Westworld‘. Aber ganz so fremd war es dann doch nicht. Denn der Soziologe lud nicht nur seine häufige Gästin und Mit-Soziologin Rena ein, sondern auch Religionswissenschaftler Moritz sowie Programmierer und Anerzähler Dirk, um über Realität und was wir dafür halten, zu sprechen. Damit haben sie den nächsten Sweetspot getroffen, für den ich Podcasts liebe: Man fängt an einem Ausgangspunkt an (etwa einer Serie) und hört von dort aus weiter, bis einen die Worte irgendwohin getragen haben, wo man nie glaubte, zu landen …

3. CineCouch – Folge 215: Drive

Ich nenne das, was die CineCouch macht, oft mit ein bisschen Spott, dafür aber mit ganz viel Liebe und noch mehr Hochachtung: Filmstudentenkunstfilmscheiß. Doch selten hat dieses Prädikat so gepasst, wie bei Jans und Niels’ Besprechung von ‘Drive. Auf Twitter schrie ich bereits im November alle Menschen an, sie sollen diese Folge hören. Denn selten hat man Nerds auf einem so hohen Niveau abnerden hören. Das führte die Couch mit Schwung aufs Treppchen. Bronze!

The End

2. Cinematic Smash Bros: Bestes Filmende? – Cinematic Deathmatch 2017

Nein, am Ende sind wir noch nicht! Was wir Filmtwitterinnen, Filmblogger und Filmpodcasterinnen gerne machen, ist: Das, was wir tun, viiiiiiel zu ernst zu nehmen. Da werden Filmbesprechungen zu etwas Sakralem und wehe, wenn jemand nicht den richtigen Habitus hat, nicht die richtigen Fragen stellt, die falsche Version von Bladerunner guckt oder einen Film nur sieht und nicht SICHTET! Da tat es dem Kritikerwald verdammt gut, dass ein frischer Wind durch ihn ging, als Henning anfing, seine Fragen zu stellen. Denn bei Hennings Casts geht es nie wirklich darum, was der beste, schönste, größte Film ist. In Wirklichkeit fragt er: Wer kann am schönsten über Filme reden. Das hat er dieses Jahr oft gemacht. Und am Ende lud er zum großen Finale in Berlin vor Livepublikum ein. Eigentlich brauche ich nicht mehr hier schreiben außer eines, um zu rechtfertigen, warum das Deathmatch auf Platz 2 der Jahrescharts landete. Und das ist die Gästeliste: Alex von Real Virtuality, Christian von der Second Unit, Anne, Adam und Felix von den Serienjunkies, Hardy von Lethal Critic, Regisseur Kevin, Filmtwitterin Luise, Nikolas aka. Noergolas, Rebecca aka. Becci von den Kulturpessimisten und Thomas von Schöner Denken. Nuff Said! Silber!

1. Wiederaufführung: WA126 Hitlers Hollywood

Was soll nach soviel Rabatz, nach soviel Galmour und so vielen Experimenten, nach soviel Fachwissen und Leidenschaft noch kommen, das den Platz 1 verdient? Ein einfaches, unaufgeregtes Gespräch. Aber was für eines! Christian und Max sind schon für sich Experten für alte Filme. Doch diesmal haben sie sich Spezialexperte Rüdiger eingeladen und gemeinsam ergründen sie die dunkelsten Stunden des deutschen Kinos. Faszinierend, beängstigend, Gold wert!

Get Out

Das waren sie die offiziellen und objektiv besten Filmpodcasts des Jahres. Trotzdem wünsche ich mir Empfehlungen von euch, auch wenn ihr natürlich falsch liegt! 😉 Welches Sprachstück hat euch dieses Jahr  besonders beeindruckt?

Hier habe ich einen Feed bei Fyyd kuratiert. Mit dem könnt ihr euch die 17 besten Film-Folgen des Jahres in den Catcher packen, alle Empfehlungen aus den Kommentaren werde ich ergänzen. 🙂

Verpasst außerdem nicht, wenn es hier demnächst noch einmal heißt: Die 17 besten Podcasts 2017. Mir bleibt nichts weiter zu sagen als noch einmal #Podcastliebe!

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SF114 – Das indische Tuch (Ein Edgar-Wallace-Film)

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Hier spricht Edgar Wallace!

Zwischen Jahresrückblicken und guten Vorsätzen blicken wir in dieser Folge nicht bloß auf 2016 und schmieden Pläne für 2017. Nein, wir haben auch einen Film aus Paulas Kindheit besprochen. Dabei fragten wir uns, ob Alfred Vohrer ein Genie ist, warum Eddi Arent immer Butler spielt, was eigentlich Shia LaBeouf macht und ob Klaus Kinski glücklich Särge durch Venedig trug. Wir besuchten erneut Filmische Welten und fanden eine moderne Inszenierung, die sich ihrer Künstlichkeit nicht nur wegen des von Geisterhand gelenkten Servierwagens bewusst ist. Außerdem stellten wir fest, dass Edgar Wallace’ Morde nicht ganz so clever waren, wie er selbst dachte. Zum Kotzen!

Vorgeplänkel & Abschweifungen

Unsere guten Vorsätze: Öfter mit einer Gästin podcasten, weniger aber dafür bessere Folgen machen, unsere Reihen fortsetzen: Hitch, Halloweenspecial, Weihnachtsspecial, Regisseurinnen, Tarantino, Filme aus Paulas Kindheit, Horroctober und Followbruary ♦ Der Followbruary folgt direkt nach dieser Folge. Hier gibt es die Liste ♦ Wir haben begonnen den Proustfragebogen noch einmal zu beantworten, da sich einiges geändert haben könnte ♦ Was macht eigentlich Shia LaBeouf? Na, das hier!

Die Eckdaten von Das indische Tuch

Erscheinungsjahr: 1963
Regie: Alfred Vohrer
Produktion: Horst Wendlandt
Besetzung: Heinz Drache (Anwalt Frank Tanner), Elisabeth Flickenschildt (Lady Emily Lebanon), Klaus Kinski (Peter Ross), Hans Clarin  (der Sohn von Lord Lebanon), Eddi Arent (Butler Richard Maria Bonwit)
Genre: Krimi, Edgar-Wallace-Film, Grusel-Krimi, Komödie schwarze Komödie

Die Edgar-Wallace-Filme

Edgar Wallace lebte von 1875  bis 1932. Er war Journalist und Krimi-Autor. Spannend ist, dass er seinen ersten Roman 1905 “Die vier Gerechten” im Eigenverlag herausbrachte. Das Buch wurde ein großer Erfolg aber zugleich ein finanzielles Desaster für Wallace. Als Marketing-Gag hatte er jedem, der die Art der Ermordung eines der Opfer des Buches erraten würde, einen Preis in Höhe von 500 Pfund versprochen. Leider war das Rätsel nicht so kompliziert, wie Wallace gedacht hatte und viele errieten die Methode. Die Zeitung, bei der Wallace arbeitete, die Daily Mail, rettete ihm den Hals, indem sie die Schulden zahlte, um schlechte Publicity für einen ihrer Angestellten zu vermeiden.

Bereits in den 1920ern und den frühen 30ern entstanden erste Adaptionen von Wallace’ Werk in Deutschland. Diese waren ein großer Erfolg, von dem nicht zuletzt der Werbeslogan der Reihe “Es ist unmöglich, von Edgar Wallace nicht gefesselt zu werden!” dem Publikum im Gedächtnis blieb. Im Nationalsozialismus wurden aber keine weiteren EW-Filme gedreht.

1955 kam dann Gerhard F. Hummel, damaliger Programmberater der Constantin Film auf die Idee, die Reihe neuaufleben zu lassen. Da Krimis in den Nachkriegsjahren aber nicht beliebt waren, scheute die Constantin zunächst das Risiko. Ende der 50er erwarb dann aber doch die Constantin-Tochter Rialto Film die Rechte an den Edgar-Wallace-Büchern und begann die Reihe, die heute meist gemeint ist, wenn von “Edgar-Wallace-Filmen” gesprochen wird.

Zwischen 1959 und 1972 wurden von der Rialto insgesamt 32 Edgar-Wallace-Filme gedreht. Hinzu kamen noch einige von anderen Produktionsfirmen, bis die Rialto vor Gericht durchsetzte, dass nur sie die Rechte an den Filmen habe. Der erste EW-Film war Harald Reinls Verfilmung von DER FROSCH MIT DER MASKE (1959). Zu Reinl empfehlen wir unsere Folge zu Der Schatz im Silbersee.

Die Filme waren bis 1966 in Schwarz-Weiß und wurden im Breitbildformat Ultrascope (1:2,35) gedreht. Nach 1966 wurde die Filme dann in Farbe gedreht und nur noch im Verhältnis 1:1,85. Diese Anpassung wurde durchgeführt, um auf den Fernsehmarkt als Zweitverwertung abzuzielen. 1967 startete in Deutschland das Farbfernsehen. Die Reihe lief aus in einer Reihe von Co-Produktionen mit England und Italien, die aber der Erwartung des Publikums nicht mehr entsprachen. Sie hatten zwar noch immer ganz akzeptable Einspielergebnisse, aber die Produktionskosten stiegen und andere, modernere Genres wurde immer beliebter beim deutschen Kinopublikum.

Der Regisseur Alfred Vohrer

Prägend für die Edgar-Wallace-Filme wurde schließlich Regisseur Alfred Vohrer, der den ironisch-artifiziellen Stil der Filme schuf und bei den meisten Regie führte. Alfred Vohrer wurde 1914 geboren. Nachdem er beim württembergischen Staatstheater war, machte er ein Volontariat bei der Ufa. Im zweiten Weltkrieg war er Soldat und verlor seinen rechten Arm. Nach dem Krieg ging er zunächst zum Radio, wo er als Oberspielleiter bei Radio Stuttgart arbeitete. 1949 kam er dann zurück zum Film und arbeitete zunächst als Synchronregisseur. Er war unter anderem für die Synchronisation von Die Faust im Nacken (1954) und Die Brücke am Kwai (1957) verantwortlich.

Alfred Vohrer war homosexuell und lebte seit Mitte der 1950er mit seinem Lebensgefährten in Berlin-Dahlem. Sein Regiedebüt gab er 1958 mit Schmutziger Engel. Bei den Dreharbeiten von Bis dass das Geld euch scheidet (1960) lernte er den Produzenten Artur Brauner kennen und über ihn Horst Wendlandt, den Produktionschef der Rialto Film. Wendtland bot Alfred Vohrer die Regie für seinen ersten Edgar Wallace-Film Die toten Augen von London (1961) an. Insgesamt drehte Vohrer 14 Edgar-Wallace-Filme, unter anderem Das Gasthaus an der Themse (1962), Der Zinker (1963), Das indische Tuch (1963), Der Hexer (1964) und Neues vom Hexer (1965). Außerdem machte er drei Karl-May-Filme: Unter Geiern (1964), Old Surehand (1965) und Winnetou und sein Freund Old Firehand (1966).

Ab den 1970ern waren Vohrers neues Projekt, das wohl auch seine eigene Idee war, die Verfilmungen der Romane von Johannes Mario Simmel. Zum Beispiel Und Jimmy ging zum Regenbogen (1971), was ein großer Erfolg wurde. Daraufhin folgten Liebe ist nur ein Wort (1971),  Der Stoff aus dem die Träume sind (1972) und Alle Menschen werden Brüder (1973). 1976 beendete  der sonst unpolitische Regisseur seine Kinokarriere mit der Verfilmung des Anti-Nazi-Romans von Hans FalladaJeder stirbt für sich allein (1976).

Vohrer ging danach zum Fernsehen. Schon seit 1974 arbeitete er für die Serie Derrick und ab 1977 dann auch für Der Alte. Und in einer echten westdeutschen Fernsehregisseurkarriere darf natürlich auch nicht die Arbeit für Das Traumschiff (ab 1983) und Die Schwarzwaldklinik (ab 1985) fehlen. Vohrer starb überraschend am 3. Februar 1986 im Hotel Königshof in München an Herzversagen. Er war dort gewesen, um die Dreharbeiten für eine weitere Folge Der Alte anzutreten.

Wiederkehrende Schauspieler in den Edgar-Wallace-Filmen

Eine Reihe von Schauspielern kehrte bei den Edgar-Wallace-Filmen immer wieder: Eddi Arent spielte fast immer den Comic Relief, Siegfried Schürenberg den liebenswürdig-trotteligen Scotland-Yard-Boß (da das Scotland Yard in Das indische Tuch nicht vorkommt, spielt er diesmal einen Urwaldforscher), die Ermittler wurden meist von Joachim Fuchsberger oder wie hier von Heinz Drache  gespielt. Schließlich war da noch Klaus Kinski: Er gehörte immer zu den Verdächtigen, war oft verrückt und hatte Dreck am Stecken, aber war selten der eigentliche Täter.

Klaus Kinski

Klaus Kinski wurde 1926 in der Nähe von Danzig geboren. Sein bürgerlicher Name lautet Klaus Günter Karl Nakszynski. Im Zweiten Weltkrieg kämpfte er 1944 bei einer Fallschirmjägereinheit und geriet in den Niederlanden in britische Kriegsgefangenschaft. Bereits im Gefangenenlager spielte er erste Theaterrollen auf der provisorischen Lagerbühne.

Nach dem Krieg hatte er erste Engagements am Theater in Tübingen und Baden-Baden, bevor der Intendant Boleslaw Barlog ihn zum renommierten Schlosspark Theater nach Berlin holte. Hier feierte er seinen Durchbruch, insbesondere mit dem Stück “La voix humaine“, in dem er als Frau auftrat. Das war im prüden Berlin der 50er Jahre ein Skandal. Allerdings schmiss Barlog Kinski raus, nachdem dieser einmal vor Wut die Scheiben des Theaters einschlug.

Kinski machte sich dann als (wie er es nannte) “Ein-Mann-Wanderbühne” einen Namen. Er trug unter anderem Werke von Nietzsche, Dostojewski, Tucholsky, Baudelaire und aus dem neuen Testament vor. Damit war er so erfolgreich, dass er 1960 sogar den Berliner Sportpalast füllte, in den 10.000 Menschen passten.

Klaus Kinskis Filmkarriere

Insgesamt spielte Kinski in 140 Filmen und Serien mit. Da er einen verschwenderischen Lebensstil hatte, war er bei der Auswahl seiner Rollen nicht wählerisch, sondern spielte teilweise beim größten Schund mit. Die meisten seiner Filme fand Kinski selbst “zum Kotzen”.

Bereits 1948 spielte Kinski in seiner ersten Rolle einen KZ-Hälftling in Eugen Yorks Drama Morituri. Der Film war im Nachkriegsdeutschland, das seine jüngste Vergangenheit noch nicht aufgearbeitet hatte, umstritten. Die Crew erhielt Drohbriefe und ein Hamburger Kino wurde sogar zerstört (wir konnten nicht herausfinden, wie). 1954 erhielt Kinski eine kleine Rolle in Roberto Rossellinis Film Angst.

Seinen Durchbruch hatte er dann in den 1960ern mit den Edgar-Wallace-Filmen. Sein erster Film war 1960 Der Rächer. Insgesamt spielte er in 16 Edgar-Wallace-Verfilmungen mit, meist den cholerischen oder wahnsinnigen Bösewicht. Das brachte ihm internationale Anerkennung ein.

So spielte er in Folge dessen 1965 den Anarchisten Kostoyed Amourski  in Doktor Schiwago. Und im gleichenJahr Wild in Sergio Leones Für ein paar Dollar mehr. Er spielte in vielen Italo-Western mit, am bekanntesten ist dabei sicher noch Leichen pflastern seinen Weg (1968) von Sergio Corbucci. Kritikeranerkennung erhielt er dann vor allem durch seine Zusammenarbeit mit Werner Herzog. Mit dem er in den 70ern und 80ern fünf Filme drehte:

Bei den Dreharbeiten zu Cobra Verde kam es zum endgültigen Bruch mit Werner Herzog. Werner Herzog hatte in seiner Dokumentation Mein liebster Feind – Klaus Kinski (1999) die Beziehung der beiden aufgearbeitet. 1981 spielte Kinski außerdem mit Jack Lemmon und Walter Matthau im letzten Billy-Wilder-Film Buddy Buddy.

1989 drehte er seinen letzten Film, bei dem er auch Regie führte und das Drehbuch schrieb: Paganini. hatte Jahre-lang versucht Paganini zu finanzieren. Schließlich fand er die Produzenten Carlo Alberto Alfieri und Augusto Caminito und drehte mit ihnen die drittklassige Fortsetzung Nosferatu in Venedig (1988). Im Gegenzug finanzierten sie Paganini. Allerdings vertritt sich Kinski mit den Produzenten. Daher wurde sein Film fast nie gezeigt und kam erst nach seinem Tod in die Kinos. Am 23. November 1991 starb Klaus Kinski in seinem Haus in Hollywood an Herzversagen.

Klaus Kinskis Charakter

Kinski war zu Lebzeiten in psychologischer Behandlung und unternahm mehrere Suizidversuche. Er litt an Hypochondrie und körperlichen Krankheiten. Bei den Dreharbeiten zu Cobra Verde brach er einmal zusammen.

Kinski war berühmt als Exzentriker. Zum Beispiel war er dafür bekannt, dass er seine Rollen nicht probte. Er sagte dazu: “Hin- und Herlatschen, damit die Regisseure auch mal sehen, warum sie keine Fantasie haben, das mache ich nicht.” Ein Angebot von Fellini schmetterte er aufgrund der geringen Gage mit den Worten “Laß Dich in den Arsch ficken” ab. Über Werner Herzog sagte er “Herzog ist ein miserabler, gehässiger, missgünstiger, vor Geiz und Geldgier stinkender, bösartiger, sadistischer, verräterischer, erpresserischer, feiger und durch und durch verlogener Mensch.” Das Drehbuch zu Aguirre nannte er ‘analphabetisch primitiv’. Bei Cobra Verde tickte er dann vollkommen aus. Kinski versuchte an manchen Tagen selbst Regie zu führen. Er ließ Herzog den Kameramann Thomas Mauch feuern: “Dieser Mauch hatte nicht eine einzige Aufnahme im Kasten, die nicht auf den Misthaufen gehörte.”. Unterbrach die Dreharbeiten, weil er schmollte, dass Herzog eine Szene in seiner Abwesenheit drehte. Und bei der letzten Szene steigert er sich so in sein Schauspiel rein, dass er fast ertrunken wäre.

Kindesmissbrauchsvorwurf gegen Klaus Kinski

“Kinskis provozierende Selbstdarstellung wurde Teil einer Medienpersona, die das Prahlen mit sexuellem Missbrauch als Exzentrik verklärte.”

Frankfurter Rundschau

Bereits in seiner Autobiografie „Ich bin so wild nach deinem Erdbeermund“ von 1975 hatte er geschrieben, dass er Sex mit einer 13-Jährigen hatte (und seiner Mutter und seiner Schwester, was Kinskis Brüder aber abstritten).

1991 prahlte er in seinem Buch „Ich brauche Liebe“ damit, ein inzestuöses Verhältnis mit seiner Tochter Nastassja Kinski zu haben. Sie widersprach dem und wollte ihren Vater auf Gegendarstellung verklagen. Dazu kam es aber wegen des Todes von Klaus Kinski nicht mehr. 1999 sagte Nastassja  dem Guardian, ihr Vater habe sie nie sexuell missbraucht, “auf andere Weise aber schon”. Er habe sie zwar nicht geschlagen, „aber niederträchtig beschimpft“ und begrapscht. 2013 erhob Kinskis Tochter Pola Kinski schwere Vorwürfe: Ihr Vater habe sie sexuell missbraucht. In einem Stern-Interview erzählte der jüngste Sohn Nikolai Kinski hingegen, er habe niemals erlebt, dass sein Vater aggressiv oder ausfallend geworden sei: „Mein Vater war privat der sanfteste Mensch, den man sich vorstellen konnte“.

Die Produktion von Das indische Tuch

Das indische Tuch war der 16. deutschsprachige Edgar-Wallace-Film. Um Produktionskosten zu sparen, wurde der Film fast komplett im Studio gedreht. Es gab lediglich zwei Außenaufnahmen. Das Schloss wurde als Matte Painting auf einen Vorhang gezeichnet. Der Satz „Hallo! Hier spricht Edgar Wallace“ wurde von Regisseur Alfred Vohrer gesprochen.

Der Film hat fast gar nichts mehr mit dem Roman gemein. Stattdessen wurde viel von Agatha Christies Roman Und dann gabs keines mehr eingearbeitet. Der Titel von Christies Roman wurde von “Gutmenschen” geändert und hieß im Original 10 kleine *hier einen übel-rassistischen Begriff einfügen*.

Filmisches Erzählen in Das indische Tuch

Die erste Szene & Künstlichkeit der Inszenierung

Das indische Tuch beginnt mit einem Matte Painting: Das Schloss in dem die Handlung spielt wird gezeigt. Eigentlich soll ein Matte Painting täuschend echt aussehen. Doch das gemalte Schloss am Anfang von Das indische Tuch sieht extrem künstlich aus – zudem wabern davor noch sehr unglaubwürdige ‘Nebelschwaden’ offensichtlich aus Trockeneis.

Doch diese offensichtlichen Budgetlimitierungen werden im nächsten Moment durch einen Bruch der filmischen Illusion ironisch kommentiert: Das Matte Painting war auf einen Vorhang gemalt, der nun hochgezogen wird.

Das nächste Bild ist nicht weniger grotesk und unterstreicht die selbstbewusste Künstlichkeit, die sich fortan durch die gesamte Inszenierung zieht: Wir sehen Hans Clarin am Klavier sitzen. Hinter ihm steht eine absurd große Beethoven-Büste und obendrein befindet sich noch ein ausgestopftes Pferd im Zimmer.

Mit diesen beiden ersten Bildern verdeutlicht der Film sofort, dass er keinerlei Anspruch hat, realistisch zu sein. Dieser Verzicht auf Realismus waren ein Markenzeichen der Edgar-Wallace-Filme. Zugleich war und ist er etwas sehr besonderes im deutschen Kino, in dem der Realismus bis heute das Ideal der filmischen Inszenierung ist. Die Inszenierung soll zum Verschwinden gebracht werden: Kamera, Musik und Schnitt sollen so unauffällig sein, dass sie sich ganz in den Dienst der Handlung stellen. Das indische Tuch bricht sehr bewusst und sehr selbstbewusst mit diesem Ideal – er ist ein Gegenentwurf.

Dies zieht sich durch den gesamten weiteren Film: Er glänzt mit unkonventionellen Zooms und Kameraschwenks. Wir sehen die Morde immer aus einer subjektiven Perspektive – Hände halten vor der Kamera das mordbringende indische Tuch. Es gibt einen Servierwagen, der von Geisterhand fährt und der ganze Film endet mit einem Bruch der vierten Wand, indem Edgar Wallace als Alleinerbe ausgerufen wird. Wir sehen hier Stilmittel, die wir auch bei Monty Python oder Bertold Brecht wiederfinden.

Bedeutung der Edgar-Wallace-Filme für das deutsche Nachkriegskino

Die Edgar-Wallace-Filme waren erstaunlich modern für ihre Zeit. Sie erschienen in einer Zeit, in der stockkonservative Heimatfilme das deutsche Kino dominierten. Die Ermittler in den EW-Filmen waren Stadtmenschen – Menschen von Welt – zugleich aber bieder und ideale Schwiegersöhne.

Die Themen, die verhandelt wurden, hielten der deutschen Wirtschaftswunder-Gesellschaft einen Spiegel vor. Es ging vor allem um Geld und Intrigen. Die Morde wurden nur wegen materialistischer Motive begangen, so wie sich im Nachkriegsdeutschland vieles nur noch um Geldverdienen und Konsum drehte.

Kritik am Plott

Fragwürdig inszeniert ist, wie schnell und unwidersprochen der Anwalt die Ermittlungen übernimmt. Es ist ja nicht so, dass Anwälte eine höhere Qualifikation bei Mordermittlungen haben als die anderen anwesenden. Aber nachdem schonmal jemand in diesem Film ermordet wurde, sehen alle sofort ein, dass Tanner den Mord aufdecken soll. Woraufhin dieser sich auch erst einmal standesgemäß in Pose wirft und die anderen verhört.

Natürlich ist das alles nicht ernst gemeint: Dies zeigt sich ja schon darin, dass niemand in Das indische Tuch je über einen der vielen Morde geschockt ist.

Die Rezeption von Das indische Tuch

Der Film wurde von der FSK ab 16 Jahren freigegeben. Im Fernsehen wurde der Film in einer stark gekürzten Fassung im 4:3-Format ausgestrahlt. Der im Original farbige Vorspann wurde durch einen Schwarzweißvorspann ersetzt. 1991 wurde die FSK-Freigabe der gekürzten Version auf 12 Jahre heruntergesetzt. Inzwischen wurde der Film auch für en kleinen Bildschirm in der originalen Kinofassung veröffentlicht, die wieder ab 16 Jahren freigegeben ist. Im Vergleich mit den anderen Filmen steht der Film mit 1,9 Millionen Zuschauern eher schlecht da.

Quentin Tarantino hat sich in einem Interview mal als Alfred-Vohrer-Fan geoutet und sagte „Alfred Vohrer is a genius!“

Im Laufe der Jahre wurden viele Versuche unternommen, die Edgar-Wallace-Filme wieder aufleben zu lassen. Der erfolgreichste dieser Versuche ist sicherlich die Parodie Der Wixxer.

Lesenswert

The End.

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